Coda

Allá por 2018, escribí El Poder de las Palabras, un texto de artista que hacía una lectura detallada sobre la obra de la artista Ileana Hochmann y su amplia trayectoria internacional. Silenciosa e incansable trabajadora del arte, mente inquieta y curiosa, energía carioca que trasciende muchas veces las posibilidades físicas, Ileana me invita a escribir sobre un recorrido de años y busco pasar por todos los hilos de la trama sin dejar de dar cuenta de la complejidad conceptual de cada uno de los proyectos desarrollados a través de décadas de trabajo. Uno de ellos me resuena en el tiempo y lo traigo de ese pasado cercano a un presente inmediato. En Fiz das Tripas, Corazón la artista da cuenta de un génesis donde, a partir del lenguaje, de la fuerza de la palabra que se dice -pero muy especialmente de aquella que se presenta silenciosa, ininteligible, negada- se ingresa a un capital simbólico contenido en la obra donde el espectador se ve desafiado a involucrarse activamente en el acto de comprensión de aquello que está observando. Una obra que resume en una suerte de “ritual antropofágico”, la palabra, la performance –incluyendo video, fotografía y danza-, la serigrafía, los objetos, todos ellos creando un escenario multidisciplinario, imposible de encasillar en una sola expresión artística si no entendemos la manifestación misma de la acción como una pieza integral cuyo relato no escapa a una reflexión autobiográfica. Cerraba ese texto diciendo que en esa obra clave en su carrera, se reelaboraba y actualizaba la propuesta inicial de 1978 donde se presentaba el escenario de un parto -el parto de la hija de Ileana- y se traía dicho contexto a una actualidad que lo mantenía vigente.  Y viendo ahora lo que deparaba el futuro para la obra de Ileana, me atrevo a asignarle a esta pieza el primer movimiento dentro de una trilogía que, dos años después, termina de conformarse sin que la artista misma supiera que estaba siendo transitada.

En 2020 me toca escribir Vestido de Luz. Se revela ante mis ojos sorprendidos una propuesta propia de un nuevo comenzar, un verdadero renacimiento, un nuevo parto. Si bien el género como tema jamás falta en la obra de Ileana Hochmann, en este trabajo cobra dimensiones exponenciales. En el marco del aislamiento mundial que provocó la pandemia del Covid-19 en 2020, la obra de la artista, en un tour de force, produce un movimiento centrípeto, una mirada vuelta sobre sí misma, observando lo único de lo cual no podía escapar en medio del encierro: su reflejo. En medio de aquello que podía percibirse hostil y alienante, Ileana decide ejercer una lectura desafiante de su realidad, combativa, marcando un territorio, presentándose viva y creativa aún en la adversidad. Se observa todo el tiempo, elige enfrentar lo inevitable y lo convierte en un registro fotográfico de su cuerpo atravesando una experiencia única e irrepetible y desde su desnudez brutal, visceral, da a luz una serie que cuenta solamente con los escasos recursos para su producción que el confinamiento habilitó -un celular y luces caseras- los cuales utilizados con perspicacia, fueron los fieles aliados de esta artista que a sus 75 años construye con su cuerpo despojado de ropas pero empoderado de irreverencia y una presencia femenina contundente, un corpus de obra que desafía todos los límites que ella misma creía haber vislumbrado alguna vez. Segundo movimiento.

Así llegamos a Coda, que como bien explica su etimología, define el final de un movimiento musical, el epílogo. Y voy a detenerme en este punto para hacer un poco de historia, para poner en contexto esta suerte de “broche de oro” a una trilogía que yo construí en mi mente y decidí compartir con la artista, quien me permitió ejercer estas asociaciones, quizás caprichosas, pero sin duda fundamentadas y con todo el respeto que su obra merece.

Hacia mediados de los años 60, el gran artista León Ferrari, absolutamente movilizado por los acontecimientos en torno a la guerra de Vietnam, deja de lado por un tiempo su trabajo abstracto y compromete su obra con una toma de posición activa frente al horror. Para el Premio del Instituto Torcuato Di Tella convocado por Romero Brest, realiza cuatro piezas con el tema de la guerra como eje central; se destaca entre ellas  La Civilización Occidental y Cristiana (1965) donde una escultura de dos metros trabajada en yeso, madera y óleo, representa a un Cristo crucificado sobre un avión de guerra norteamericano. El impacto ante una crítica tan cruda y directa a la civilización occidental, su violencia y la complicidad de la iglesia, provocan que Ferrari tenga dejar de lado esa pieza y solamente exponer las otras tres, las cuales no resultarían “tan ofensivas”. Sin embargo, lejos de ser silenciado y apoyándose en el arte y en una creatividad deslumbrante, ejerce una denuncia legítima que pasa por encima a la censura. Walter Benjamin en su mítica presentación de 1934 ante los intelectuales de París, donde se debatía sobre el fascismo, expone en El Autor como Productor que la pregunta no pasaba por si nos servimos de alguna ideología al hacer arte sino por crear una imagen lo suficientemente libre como para que esa libertad sea en sí misma, un acto político. Parafraseando al autor, el arte político no es aquel que ilustra una política sino el arte que en su propia elección de libertad constituye ya en sí mismo, un acto político. No cabe duda que este pensamiento refleja el espíritu de la obra de León Ferrari.

En Coda, Ileana Hochmann hace un homenaje a ese artista magistral y su obra icónica, recluida en su “bunker antiaéreo”- como ella suele referirse a su departamento en la ciudad de Buenos Aires –, su cobijo frente a la amenaza latente en el exterior, desde donde se propone, elige crear una obra que da pie a fase final de un relato que tiene a su cuerpo como protagonista excluyente. El destino quiso que décadas atrás Ileana y una asistente de León se conocieran en la fila para pagar el servicio de luz. Él se había exiliado en Sao Paulo y ahora ella, que siempre se ha debatido entre Brasil y Argentina, confinada en un aislamiento donde solamente su entorno y la escasa naturaleza del jardín del edificio podían dar cierto marco creativo para esta obra, se refiere a este trabajo como un diálogo, un homenaje donde aparece el “abuso de poder, violencia, sometimiento, resistencia, resiliencia. No más NAPALM pero los señores de la “estrella de la muerte” son los mismos. La nueva guerra llega a través de aviones de línea. La civilización occidental se descompone. En un mundo que es varios pero ahora uno, fumigados, diseminando el virus que nos quita el aire. Tierra quemada. El león está junto a mí en este nuevo universo. Hacer cuerpo, mujer bicho saliendo de las cavernas”. Aquí la artista insiste y reafirma su presencia física pero en este último corpus de obras la estética de las fotografías se vuelve más refinada, el juego de luces denota el estudio y la mirada ya no solamente curiosa  tanto como introspectiva sino que el tiempo y la persistencia de las adversas condiciones de posibilidad, hacen que se agudicen los sentidos, se profundice en la factura y la técnica, la formalidad de la presentación, poniendo en evidencia un acercamiento al campo de la fotografía ya lejos de ser inocente o puramente intuitivo sino razonado. El avión de León Ferrari soporta el peso del Cristo, se convierte en el elemento martirio por excelencia. En el trabajo de Ileana Hochmann el avión está por delante, se nos impone y el sentido se invierte: ya no es aquel que bombardea en posición vertical listo para caer con todo el peso de su destrucción sobre la humanidad sin sutilezas posibles, sino que es un avión que se desplaza de manera horizontal a velocidad crucero. Es el avión de línea, el “transporte más seguro del mundo”, el protagonista de la era de las comunicaciones facilitando los recursos a la demanda de la inmediatez, el que se pone en primer plano como prefiguración de la desgracia silenciosa que lleva en sus entrañas: un virus en principio imperceptible para quienes lo abordan y para quienes esperan en destino, un organismo que cambiaría el paradigma de la “sociedad universal” para siempre.

Me he permitido este breve recorrido que denominé como una trilogía porque he visto desarrollarse estas distintas instancias, capítulos cerrados en sí mismos pero aun así formando parte de una instancia superior que los integra y contiene a todos. Ileana Hochmann no deja de repensarse jamás, está en su esencia. Su historia personal siempre se traslada al entorno y como si fuese una lectura en capas de cebolla, no se piensa ajena al afuera aun cuando sus lecturas partan de inquietudes íntimas y necesidades personales, sino que por el contrario, transfiere y sublima sus pasiones al plano externo donde habilita el diálogo con otros artistas, con otras obras, con el espectador. Coda es el cierre de una etapa. Me quedo con una de las fotografías que integran la serie donde una demolición contiene al avión de línea derrumbado y detrás, un autorretrato de Ileana – la primera imagen desarrollada en la cuarentena-. Esta suerte de Apocalipsis, de Revelación augura caminos inciertos y tanto el artista como quien mira la obra, debe optar por la lectura más personal posible por sobre la colectiva: escombros que pueden ser la representación de la devastación final o pueden ser el piso para empezar a reconstruir. Un retrato que puede ser un recuerdo de lo que fue, un testigo de un tiempo en la historia, pero que también puede ser la imagen de una resistencia que sigue vigente, de pie, de cara a un futuro que más allá de lo ingobernable que sea nos deja la enseñanza de que el camino se construye siempre desde un sedimento anterior, un resto de ese Big Bang inicial que provoca millares de  partículas para dar origen a millones de universos posibles.

Acompaño a Ileana Hochmann en este camino con estas líneas porque creo, tal cual ella escribe en uno de sus textos sobre esta serie, que al decir de León Ferrari, “El arte no será ni la belleza ni la verdad, el arte será la eficacia y la perturbación”. La obra de Ileana hace pensar y su propuesta estética muchas veces es perturbadora. Creo que es allí donde radica la eficacia del impacto y porqué no, quizás como un plus maravilloso, su belleza y su verdad.

Lic. María Carolina Baulo
Diciembre 2020